MOUSSE MEDIA: Una apología de lo petulante

[Sección a cargo de Víctor D. Magallón*]

Una apología de lo petulante o por qué el videoclip Would You Be Mine de Adanowsky no es una simple manifestación pretenciosa, obscena y vulgar

Tengo que admitirlo, la música de Adanowsky siempre me ha parecido muy interesante, creo que es la música perfecta para poner en tu coche cuando por fin obtienes una cita con esa chica de lentes de pasta que tantos suspiros te saca cuando la vez caminar a lo largo y ancho del campus universitario. Además, si lo que quieres es sacar a relucir tu gusto por la música alternativa, no busques más, pues el español, el inglés y el francés que acompañan las letras de Adanowsky te dan ese toque intelectual que tanto te hacía falta. 

Creo entender que la experimentación es algo que le viene de familia a este junior, pero seamos sinceros, la gran parte de sus videoclips musicales son una muestra de ocurrencias que le vienen en los estados de vigilia. Si bien, cada uno  de estos tiene una magistral dirección, existe algo en dichas producciones que no terminamos por conectar con su música.  Cuchicheos homosexuales junto con Devendra Banhart, filtros a blanco y negro, representaciones de él mismo en diferentes facetas y secuencias de imagenes emulando los trabajos de los grandes realizadores de la Nouvelle Vague. Esto es lo que hasta ahora nos había ofrecido este artista multidisciplinario en sus videoclips. Pero, ¿por qué Would you be mine es un videoclip que merece verlo detenidamente?

El nuevo video de Adanowsky no es fabuloso por tener la oportunidad (otra vez) de ver un orgasmo de una de las actrices pornográficas más mainstream de la actualidad, ni tampoco por admirar la piel perfecta y lechosa de esta ninfa del porno. Creo que estos aspectos perversos pasan de lado cuando se trata admirar el impresionante cuidado en la construcción del discurso de este videoclip. 

Sería muy limitado etiquetar el videoclip de Adanowsky Would you be mine como una excelente muestra del surrealismo, que si bien este niño mimado ha heredado de su padre, no es la intensión de la ingeniosa producción, ya que integra una serie de elementos que se direccionan con lo camp o campy.

Fotograma de Would you be mine (2015) Dir. Adán Jodorowsky

Fotograma de Would you be mine (2015) Dir. Adán Jodorowsky

¿Artista o súper-estrella?

Adanowsky es músico, director y actor nacido en México en el año de 1979. Es hijo del director de cine chileno Alejandro Jodorowsky quien es reconocido por películas como El Topo (1970) y The Holy Mountain (1973). La infancia de Adán, su verdadero nombre, fue como la de cualquier niño, pues estuvo marcada por el contacto cotidiano de estrellas de la música como James Brown y George Harrison. En el 2006 realizó su primer álbum como solista. Cuenta con varias películas como director y como actor a lo largo de su carrera. Además es productor musical y ha colaborado con músicos como Devendra Banhart, Alizée y León Larregui. Actualmente Adanowsky usa el seudónimo Ada, como su más reciente álbum del 2014. 

Ada tiene carácter afeminado, es exagerado y artificial. Así lo hace notar su vestimenta; chamarra de cuero, pantalones ajustados, exagerada vaselina en el cabello. En su rostro resalta el lunar en la mejilla derecha y sus labios pintados color carmín que hacen contraste con el exagerado maquillaje. Este pintoresco personaje es una fusión entre James Dean y Freddy Mercury con tintes dragqueenianos. 

Este exceso de artificialidad es el hilo conductor de su  más reciente álbum. Ada (2014) no es natural, cantado totalmente en ingles y con una producción electrónica sumamente artificial, todas las canciones que integran el álbum son meras interpretaciones de nociones populares que rodean a los contextos amorosos. 

La potencialización de este personaje tiene su legitimación en el videoclip musical. Es decir, ¿Para qué tomarse la molestia de crear un alter ego tan trabajado si no se tiene la oportunidad de difundirlo a las masas? El videoclip musical tiene como objetivo el llamar la atención de los espectadores, el crear una popularidad para ser consumido por el público, Would you be mine no es ajeno a la esencia a esto. 

Fotograma de East of Eden (1955) Dir. Elia Kazan

La categoría de la exageración

Lo camp es el exceso de lo artificial, basa su atractivo en el humor, la ironía y en el  exceso. La ostentosidad y el carácter afeminado son elementos que impregnan esta categoría. Moe Meyer, autor de The Politics and Poetics of Camp (1994), advierte que camp tiene su origen de la palabra francesa camper, que significa posar de manera exagerada.

Después de la primera mitad del siglo XX esta palabra fue acuñada para identificar la sensibilidad estética electa por los homosexuales de la clase trabajadora.

Vale la pena tomar en cuenta algunas notas que la gran Susan Sontag (1964) hace sobre lo camp:

1. La esencia de lo camp es el amor a lo no natural: al artificio y la exageración...   
2. Lo camp no se establece en términos de belleza, sino de grado de artificio, de estilización…
3. Lo camp suele ser un arte decorativo, que subraya la textura, la superficie sensual y el estilo a espesas del contenido…
4. Lo único importante en lo camp es destronar lo serio… 
5.  Lo camp es la respuesta al problema: ¿Como ser dandi en la época de la cultura de las masas? El dandi del viejo estilo odiaba la vulgaridad. El dandi de nuevo estilo, el amante de lo camp, aprecia la vulgaridad…
6. Lo camp es un disolvente de la moralidad. Neutraliza la indignación moral, fomenta el sentido lúdico…
7. El gusto camp, es sobre todo un modo de deleitarse, de apreciar; de no enjuiciar. Lo camp es generoso. Quiere deleitar. Solo aparenta ser malicioso, cínico… (Sontag,1964, p.p. 355-376)

Es Susan Sontag quien a través de su análisis, Notas sobre lo camp (1964) forma este concepto como una categoría estética y la esparce como un fenómeno cultural. Es importante distinguir  lo camp de lo kitsch1. Mientras que lo kitsch  puede ser petulante, lo camp no cae en el mal gusto. “Lo camp es bueno porque es horrible” (Sontag, S. 1964, p. 376). Además en lo camp conviven un par de elementos más que legitiman esta categoría: lo vintage y lo andrógino. Podemos encontrar lo camp en la gran mayoría de las películas de John Waters, en las saturadas fotografías de Joel Peter-Witkin. Camp es The Rocky Horror Picture Show (1975), los movimientos de Nijinski y los ademanes de James Dean. 

The Rocky Horror Picture Show (1975) Dir. Jim Sharman

Pink Flamingos (1972) Dir. John Waters 

Portrait of a Dwarf (1987) Joel Peter-Witkin

Fotografía de The faun starts to lie down on the nymph's veil (1912), Nijinsky

1. Umberto Eco, en Historia de la Fealdad (2007, p. 394-407)  hace una distinción muy clara al mencionar que lo kitsch es la copia inferior y de mal gusto de un Arte mayor.

Disolviendo el voyeurismo de consumo

Would you be mine mantiene intactos numerosos elementos campy y es quizá lo que debemos de distinguir antes de enajenarnos con la gran Stoya; el set es una exageración de decoraciones que rayan en el mal gusto, pero que adquieren sentido cuando se integran con las demás piezas que conviven dentro del video. Tradicionales geishas que sirven a un dandi moderno, simbolismos que presumen de significado pero elegidos con la mera intensión de transgredir al espectador. Una elección cuidadosa de sabanas satinadas, abundantes filtros vintage y toda una colección de artículos que fácilmente darían un sentido surrealista a la producción de este video, pero que honestamente no nos aclararía la intensión estética de esta obra.

Si bien, Stoya y Adanowsky son los personajes principales de esta producción audiovisual, son ellos los que  terminan integrándose como meros artificios y pasan a ser parte de una decoración cínica y lasciva. Susan Sontag (1967) menciona:

Lo que determina que una obra pornográfica se incorpore a la historia del arte y no sea una bazofia no es la toma de distancia, ni la imposición de una conciencia mas conforme con la realidad corriente sobre la “conciencia trastornada” del obseso erótico. Más bien, es la originalidad, la minuciosidad, la autenticidad y la fuerza de la misma conciencia trastornada, tal como se encarna en la obra. (Sontag, 1967, p.p. 65)

Táchenme de aburrido, pero considero que los actos eróticos que se contemplan en este videoclip no pretenden excitar a nadie, sino de abusar del lenguaje de lo pornográfico para lograr un despliegue de originalidad e imaginación, donde el tema no es el sexo, sino el exceso, al fin y al cabo, “lo único importante; es destronar lo serio”.

Ficha técnica:

Director: Adán Jodorowsky

Producción: Phantasm

Protagonistas: Stoya & Adanowsky 

Geishas: Sheri Chiu & Lena Boureux 

Cinematografía: Danny Hiele.

Vestuario: Aymeric Bergada du Cadet

Diseño de set: Gillez Pérez de la Vega

Maquillaje: Emilie Baudry

Edición: Mathias Trouvat 

Duración: 4.19 minutos 

Año: 2015 

Víctor D. Magallón

PlasmArte Ideas, mayo, 2015

FB: PlasmArte Ideas
Twitter: @plasmarteideas

*Mousse Media, está a cargo de Víctor D. Magallón

[Cafeinómano y fiel defensor del código de los caballeros pizza. 

Gusta de realizar sesudos análisis en busca de la última temporada de 

Los Simpson que haya valido la pena.] 

Contacto: victor.dmagallon@gmail.com

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Bibliografía

Eco, U., (2007) Historia de la fealdad, Barcelona, España: Random House Mondadori.

Sontag, S. (1996) “Notas sobre lo camp” en Contra la interpretación, México, D.F.: Alfaguara S. A. 

________  (2007) “La  imaginación pornográfica” en Estilos radicales, Barcelona, España: Random House Mondadori, 

                           

Documentos electrónicos

Andrei, Thomas (2015, abril). Mira a Adanowsky teniendo un orgasmo surrealista con la estrella porno Stoya. Konbini, all pop everything. [En línea]. Disponible en: CLICK AQUÌ

ENSALADA FREAK: Hace mucho tiempo

[Sección a cargo de David A. Becerra*]

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana...

Opening Star Wars Original 1977

El 25 de mayo pero del lejano año de 1977, se estrenó una de las películas más importantes para el desarrollo de la industria hollywoodense y del cine de blockbusters, la película Star Wars (La guerra de las galaxias), una space opera que estaba por cambiar la forma en que se veía y se hacía cine.

Ese por si solo sería un buen pretexto para escribir esta nota pero también lo es el que el próximo diciembre aparecerá el capítulo 7 de esta aventura, por lo que el pretexto es doble. 

Por supuesto, como cualquier gran historia que se digne de serlo, está llena de todo tipo de anécdotas, algunas ciertamente verosímiles y otras más exageradas, pero una de las cosas que frecuentemente se olvida, es que Star Wars es muchas cosas, pero una que no es, es ser original. 

George Lucas, el creador de este universo espacial, decía en sus primeras entrevistas que Star Wars era un homenaje a aquellas películas seriales que tuvo oportunidad de ver cuando era niño y confesaba la enorme influencia que tuvieron sobre él.  

La otra gran aventura espacial de los años treinta y cuarenta es Flash Gordon, un aventurero espacial creado por  Alex Raymond en 1934 para el King Features Syndicate, que tenía como misión salvar a la Tierra y al planeta Mongo del tiránico emperador galáctico Ming, "El despiadado”. De hecho este homenaje puede verse en los créditos iniciales de todas las películas de Star Wars: los textos con los que inician explicando y dando contexto a la historia se pierden poco a poco en la oscuridad del espacio, son iguales a los que aparecían en Flash Gordon. 

De hecho, se sabe que originalmente Lucas pensaba filmar una película de Flash Gordon, pero al no conseguir los derechos decidió escribir su propia versión. 

Otra de esas anécdotas, consiste en la exagerada insistencia del director en decir que toda la historia estaba planeada incluso antes de ser escrita. Esta idea es un tanto engañosa, debido a que en un principio Lucas fue el principal sorprendido al saber lo exitosa que había resultado la presentación de Star Wars ante el público, (como dato curioso, un buen amigo jura que tiene una copia en video, de una primitiva versión de Star Wars, A New Hope, donde en los títulos iniciales no aparece la mítica leyenda Episodio IV, confirmado por muchos de los que tuvieron oportunidad de ver la película en cines en los años setenta y que entre brumas también recuerdan que no aparecía este rótulo, lo que pone en evidencia que en un principio no se consideraba realizarse ninguna secuela de la película.  Así que, le creo a mi amigo.) 

Star Wars: Return of the Jedi VI - Battle of Endor (Space Only)

Por supuesto, no se puede dejar de lado la visión de George Lucas sobre su película, una visión tal vez ingenua y juvenil pero que vino muy bien con la época en que apareció, dando, como muchos críticos e historiadores del cine han dicho, “una historia para soñar”.  

Star Wars, innovó en el desarrollo de técnicas y efectos especiales, en el sonido y la música, y puso como ejemplo la manera en que una película debía comercializarse ante el público. Las  sagas como The Lord of the rings (El Señor de los anillos), Avatar y Harry Potter deben mucho a Lucas y sus películas. 

En este momento Star Wars comprende siete películas principales, la trilogía original, SW: Episode IV A new hope (1977), SW: Episode V The Empire Strikes Back (1980), SW: Episode VI Return of the Jedi (1983); y las precuelas: SW: Episode I The Phantom Menace (1999), SW: Episode II Attack of the Clones  (2002), SW: Episode III Revenge of the Sith (2005); y la película animada, Star Wars: The Clone Wars (2008), además de las películas para televisión, Caravan of Courage: An Ewok Adventure (1984) y Ewoks: The Battle for Endor (1985), sin contar los programas especiales, las series animadas y la casi infinita cantidad de productos relacionados con la licencia, y por supuesto todas la aportaciones que los fans han hecho por propia iniciativa que se pueden ver en línea. 

Los fanáticos de Star Wars esperan con ansias el inicio de la nueva trilogía, que ahora pertenece a la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo: The Walt Disney Company, que promete explotar la franquicia a niveles que no se habían visto desde la saga original. 

En fin, celebremos el cine espectáculo con esta cinta que para disgusto de muchos, permanece en el gusto de muchas personas, desde hace mucho tiempo… en esta galaxia cercana. 

Star Wars "I am your father" Scene Full - Original

David A. Becerra

PlasmArte Ideas, mayo, 2015

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*Ensalada Freak está a cargo de David A. Becerra

[Cocinero de primera, perdón de primer año, 

experto en revolver cosas sin un orden específico, 

se le encargó la elaboración de ensaladas y otros platillos. 

Tiene la intención de escribir varios libros,

 de cursar varios diplomados, algunas maestrías y un par de doctorados, 

 habla más o menos español, y lo escribe al 50%;  

es el fundador y único miembro de su propio club de Star Wars.]

Contacto: davidalfonsobecerra@gmail.com

COCTEL DE LETRAS: Poemas inéditos (Álvaro Luquín)

[Sección a cargo de Inés M. Michel*]

[Poema incluido en el libro Panóptico (Álvaro Luquín, Bonobos),

 próxima publicación]

Una ex novia le prohibía escuchar la canción

      Bullet Proof

I Wish I Was.

Cuando ponía el disco sus ojos lanzaban

       las mil madres del infierno

y le advertía muy serena: "ya no estás para

       irte sin permiso, tuviste la oportunidad

       y la dejaste ir y bien lo sabes".

Este episodio está escondido en el fondo

       de su almohada.

Podría apostarlo.

Álvaro Luquín

PlasmArte Ideas, mayo, 2015

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*COCTEL DE LETRAS está a cargo de Inés M. Michel 

[Egresada del Instituto de Ciencias, generación 100, (100cias100pre). 

Las letras le han salvado de los hombres grises en innumerables ocasiones. 

Fiel lectora de Ende y de un sinfín de historias fantásticas y de terror. 

Casiopea es su guía y confidente.]

Contacto: inesm.michel@gmail.com

ARTE CON CUCHARA: Life before death

[Sección a cargo de Talita Quiñones*]

Walter Schels

Walter Schels nació en Landshut, Alemania en 1936. Como un niño que creció en Múnich hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, Schels fue muy afectado por la muerte después de haber sido testigo de victimas por los ataques aéreos. “Tenía miedo de la muerte y ataúdes, toda mi vida evite ver ningún cadáver, incluso los de mis padres.” (Rosenberg, 2014).

En su vida trabajó como decorador de escaparates en Barcelona, Canadá y Ginebra. Hacia 1966 se trasladó a Nueva York para convertirse en un fotógrafo. En 1970 regresó a Alemania y trabajó en publicidad, así como para varias revistas, se dió a conocer por sus retratos de artistas, políticos, filósofos y animales. En 1975 se le pidió documentar un nacimiento para la revista Eltern: "Aquí es cuando vi la cara de un niño recién nacido por primera vez, este tenía una cara de envejecido, un poco como sabiendo algo del pasado.” (Rosenberg, 2014).

Desde entonces, Schels se ha centrado en las caras y en la observación de la existencia humana en condiciones extremas, un ejemplo de esto es la serie fotográfica Life Before Death donde muestra a pacientes de cuidados paliativos, antes y después de su fallecimiento.

Walter Schels: 1936, Landshut Alemania

Life Before Death

Maria Hai- Anh Tuyet Cao, 52 años, el 5 de diciembre de 2003, y después de su muerte, el 15 de febrero de 2004.
De la serie: Life before death (www.life-before-death.de)

Heiner Schultz, 52 años, el 19 de noviembre de 2003, y después de su muerte, el 14 de diciembre de 2003.
De la serie: Life before death (www.life-before-death.de) 

¿Vida después de la muerte?

El cielo, el infierno, el limbo; la oscuridad, la luz. Nacemos para morir, esta es la única certeza que tenemos y tendremos a lo largo de la vida, sin embargo vivimos pretendiendo ignorar el hecho de que la muerte es parte esencial de nosotros.

Cuando hablamos de muerte, el cuerpo suele responder con miedo, rechazo a este estado desconocido, incluso en los hombres de ciencia. Para algunas religiones la muerte es el fin de la vida, el paso obligado para una nueva; para otras como el budismo, la vida es una energía que fluye a lo largo y ancho del universo y no tiene principio ni fin, simplemente es un proceso continuo de cambio.

Entonces, ¿podemos decir que la muerte es el alter-ego de la vida?

La vida y la muerte, imprescindibles una de la otra; finalmente no se puede morir si no se está vivo y no se puede vivir ignorando que la muerte forma parte de nosotros.

A través de la vida se nos habla de esta como un tesoro preciado, lo más bello con lo que cuenta el ser humano, pero ¿y la muerte?

¿Quién dice que la muerte no es bella, que no puede tentarnos a mirarla cual sirena nos embelesa con su canto?

La belleza hoy en día puede ser un mero artificio, pero en el contexto actual del mundo, ¿cómo manipular a la muerte para que nos lo parezca? Más aún en un contexto como el del mexicano donde la muerte es todo menos bella; en el mejor de los casos la muerte es fiesta, y en el peor, es un espectáculo que vende, una carnicería que se exhibe en primeras planas de periódicos amarillistas. Estos extremos que imperan en nuestro imaginario social, nos alejan de una visión de la muerte como un estado natural, y que de alguna forma que no entendemos viene a dar sentido a nuestra existencia.

Life before death del fotógrafo Walter Schels nos presenta 26 fotografías; 26 rostros, 26 seres humanos con historias particulares que advertidamente esperaban el paso de la muerte, algunos con anhelo, otros a la espera de ser olvidados por esta.

Cada fotografía es la representación de una vida que se desdobla, es la captura del rostro físico que cambia del estado vivo al inerte; es la muerte como prolongación de la vida en el estado físico del rostro, el cual aún tiene nombre; es el “yo” que pasa a ser el “otro yo”, el que no tiene más vida y que no es una mera copia del vivo, sino su alter-ego (Morin, 2007).

Si la muerte es bella o no, dependerá totalmente de la sensibilidad del ser humano que la contempla, esta subjetividad será la que disponga el sentir placer o rechazo de lo que aquí se nos muestra;  la vida y la muerte a la par, el transito obligado de cualquier ser humano.

El trabajo de Schels es importante en tiempos donde la muerte se nos muestra en variadas formas menos como es (o debía ser), natural. Me parece que presentar la vida y la muerte a la par, viene a reivindicar a la segunda, ya que a través de los tiempos ha adquirido la reputación de infame, la muerte como némesis de la vida y no como semejante, ya que de algún modo la muerte es quien da sentido a la vida, después de todo ¿Qué sería del hombre si fuese inmortal?

Talita Quiñones

PlasmArte Ideas, mayo, 2015

                                                                                               

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*ARTE CON CUCHARA está a cargo de Talita Quiñones

[Estudiante de Historia del arte, 
de nacimiento dramática y soñadora empedernida, 
aún en tiempos difíciles.  
Fiel a mis convicciones, mi mayor apuesta es al arte 
como motor de transformación social.]

Contacto: arteconcuchara@gmail.com

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Referencias

  

Morin, Edgar. (2007): El hombre y la muerte. Barcelona. Editorial Kairós.

Fotografie Walter Schels, (s.f.) Recuperado el 11 de mayo:  VER AQUÍ

Rosenber, D., (17 de agosto de 2014), How one photographer overcame his fear of death by photographing it, Slate Behold, The photo blog. Recuperado el 11 de mayo del 2015.  Disponible AQUÍ. 

PLASMARTE RADIO: The Joker ataca de nuevo

[Escúchanos este viernes 22 de mayo a partir de las 21:00 hrs.]

Este próximo mes de junio, el legendario villano de los cómics, The Joker creado por Bob Kane y Bill Finger, propiedad de DC Comics, celebrará sus primeros 75 años de vida en el mundo “real”. 

The Joker y Batman nacieron con un año de diferencia (Batman apareció en 1939) y por esta razón se han efectuado homenajes a este oscuro personaje con una serie de portadas especiales que celebran este acontecimiento. The Joker (El Guasón, como se le conoce en español), archienemigo del caballero nocturno y uno de los personajes más complejos en la larga lista de villanos que ha enfrentado Batman, apareció por primera vez en la revista Batman nº1 (1940), era un maníaco homicida, con una apariencia inspirada en el comodín de la baraja de póquer. 

El Joker ha evolucionado a través del tiempo desde un psicópata esquizofrénico muy inteligente, con un retorcido y sádico sentido del humor, hasta un ladrón-bromista excéntrico pero inofensivo. Sus víctimas incluyen a hombres, mujeres, niños, e incluso sus compañeros y amigos, tampoco tiene límites, por ejemplo en la novela gráfica Joker (2008), asesinó a más de 2.000 personas en un solo día, durante la serie Muerte en la familia publicada en los números 426 al 429 de Batman (diciembre de 1988 a enero de 1989); también asesina al segundo Robin, Jason Todd (compañero de Batman) e intenta asesinar a los representantes de los países reunidos en una sesión de las Naciones Unidas, en la serie: Batman: The Animated Series, exhibida de 1992 a 1995; intentó destruir Ciudad Gótica con una arma nuclear. 

En las películas donde ha tenido también presencia, el personaje siempre se ha caracterizado por su retorcido humor y por su falta total de límites. Larga es la historia de este personaje que cubre más de siete décadas, docenas de dibujantes y escritores han formado la compleja personalidad de The Joker, convirtiéndolo en uno de los mejores villanos de los cómics e incluso del cine. Quise empezar mi texto con esta limitada e hipercondensada biografía “no autorizada” de The Joker, para plantear la idea de que este personaje tan complejo, es por supuesto extremadamente fértil en generar violencia y muerte, por lo que cualquier exceso producto de las acciones de este psicópata bromista son de alguna manera justificados debido a su propia naturaleza, historia y construcción del personaje. 

Con este preludio, voy a lo siguiente: hace pocos meses se generó en internet una interesante polémica, con una serie de  debates, principalmente en las redes sociales, por la presentación de la imagen de lo que sería la portada de Batgirl # 41 a cargo del dibujante Rafael Albuquerque, imagen que presento a continuación:

La imagen muestra a Batgirl llorando mientras The Joker la rodea con sus brazos y sujeta una pistola, después de haber dibujado con sangre la sonrisa característica del payaso en su rostro. 

Al conocerse esta portada, grupos feministas comenzaron una campaña en Twitter con el hashtag #ChangeTheCover para que fuera retirada. La argumentación era el tono agresivo y ofensivo para las mujeres, y que fomentaba los estereotipos de las mujeres débiles, sumisas y vulnerables. 

A esta reacción se sumó también la de quienes defendían la ilustración de Albuquerque, guiados en la popular red social a través de la etiqueta #SaveTheCover, considerando un acto de censura la propuesta de retirar la posible portada del cómic. Hubo incluso amenazas de muerte por parte de lectores en contra de las personas que estaban pidiendo la NO publicación de la imagen. Al final, la presión de los fans hizo que el propio dibujante, Rafael Albuquerque, pidiera a DC Comics la retirada de la polémica portada del número 41. "Mi intención no era molestar a nadie con mi trabajo. Por esta razón he recomendado a DC que retire la portada." dijo el autor.  La portada fue concebida como un homenaje a The Killing Joke, historia escrita por Alan Moore en 1988 en la que el Joker ataca brutalmente a Barbara Gordon, identidad “real” de Batgirl. 

Albuquerque, por su parte, aseguró que su trabajo era un homenaje a un cómic que admira y que, de hecho, es el favorito de muchos lectores. "The Killing Joke es parte de Batgirl y artísticamente no podía obviar la traumática relación entre Barbara Gordon y el Joker". Al final DC Comics decidió no publicar la portada. Ray Dillon presentó una ilustración en homenaje a la portada de Albuquerque.

A continuación, una serie de portadas que en diferentes momentos también se han visto sujetas a la crítica (El texto e imágenes de la sección que sigue fueron extraídos de las siguientes páginas):

10 portadas polémicas

9 portadas controversiales

10 portas de cómic polémicas

"En el número 48 de los cómics de Alf se las trae. Los autores querían haber hecho un chiste gráfico con el juego de palabras que implica el doble sentido de la palabra Seal en inglés, esto es: Foca o Sello. De este modo, los autores avisaban en la portada de "No comprar el cómic sin el sello de seguridad" mientras Alf sujetaba a una foca. Si el pobre bicho no tuviera esa cara de terror mientras Alf lo sujeta por la espalda, gritando al lector "Date prisa", la portada no sería droga dura de la buena para mentes malpensantes y algo retorcidas. Sin embargo, a poco que nos pongamos, hemos de reconocer que la ilustración da qué pensar, por mucho que nos arranque una maliciosa sonrisa perversa." MÁS INFO AQUÍ

"Un día más o El Mefistazo, como popularmente se conoce, fue una de las historias más criticables y controvertidas de Spider-man. Sin embargo, nosotros hemos querido detenernos en la portada del primer número de este arco argumental, publicado en EEUU en 2007. Resulta curioso el hecho de que esta portada no fuera censurada en su momento, muy a pesar de mostrar al héroe masculino Spider-man atado y amordazado. Nadie se quejó ni puso el grito en el cielo, que nos conste. Aún así, no podemos dejar de pensar qué hubiera pasado si en lugar de Spider-man, el cuadro hubiese estado protagonizado por una superheroína en apuros."

"Esta icónica portada, aunque no os lo creais, data de 1971, y pertenece a una de las mejores colecciones de cómic de superhéroes jamás realizada: Green Lantern - Green Arrow, una serie coprotagonizada por ambos héroes, en la que se trataban tematicas sociales. En este cómic en particular, titulado Snowbirds Don't Fly (Los pinzones no vuelan), DC Comics decidía combatir contra las drogas. Con el fin de sensibilizar a los lectores más jóvenes, los autores Dennis O'Neil y Neal Adams, advertían acerca de los problemas de las drogas. Para ello tomaban a Roy Harper/Speedy, el Robin de Green Arrow, y lo descubrían como un secreto adicto a la heroína (algo que luego se ha reciclado de otra manera en la serie de televisión de Arrow). Esto que a día de hoy nos parecería normal, en aquella época fue bastante sonado, teniendo en cuenta el público al que el cómic estaba dirigido. Sin embargo, hay que hacer notar, que este arco argumental es también uno de los más valorados en la industria del cómic."

"En esta ocasión, la portadita de marras no se la debemos a ninguna gran editorial, sino a la PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales), una ONG que pretende sensibilizar a las personas acerca de la crueldad con los animales en nuestra sociedad. Para ello, empezando por los más pequeños, se quiso hacer entender a los más jóvenes acerca de qué les pasa a los animales, según el ideario de la organización. También existe otra versión, protagonizada por el papá de la familia, la cual se titula: "Your Dad kills Fish". En ella el patriarca de la familia aparece destripando a un pez al que previamente ha pescado. En cualquier caso, ni una portada ni otra tienen desperdicio, debido a la sórdida brutalidad de las imagenes y el sádico retrato de los progenitores."

"La portada de este cómic pertenece a hace cuarenta años. Solo así puede entender que saliera a la venta. A día de hoy, entre la pose de la protagonista, las expresiones de los villanos y el contenido de los bocadillos, el cómic habría ardido por sí sólo en la imprenta.  La trama de este cómic, protagonizado por Supergirl, gira en torno a su secuestro a manos de los Space Marauders, unos piratas espaciales, para que se convierta en la esposa de su líder. Realmente, en el cómic no existe ningún elemento de violencia de género ni apología de la violencia sexual, de hecho la trama tira por otros derroteros, pero el gancho argumental de la portada no sobreviviría a los Social Justicers de las redes sociales a día de hoy."

"Seamos sinceros. Las portadas conjuntas de Green Lantern - Green Arrow pretendían llamar la atención y sacudir la conciencia social.  En este caso, la crucifixión moderna correspondía a la de un eco-terrorista llamado Isaac, que atentaba contra líneas aéreas, por contaminar nuestros cielos. La polémica, en este caso, venía dado por el hecho de convertir al terrorista en un supuesto Jesucristo moderno, mientras los héroes gritaban citas que hacían alusión a los mismísimos evangelios. Por cierto, la polémica no acabó con el cómic, muy a pesar de que éste fue el último cómic de la colección conjunta de los dos héroes."

"En 1968, la Mujer Maravilla dejó su pequeño atuendo para literalmente ponerse los pantalones. Esta portada se convirtió en un eco de los movimientos feministas de la época."

"Crime suspenstories: Este cómic de EC fue su contribución al género "el crimen no paga", pero también la portada del número 22 fue la principal prueba que en 1954 utilizó el doctor Frederic Wertham en su exposición ante el senado de EE.UU. Wertham fue el autor de "La seducción del inocente", donde criticó a los cómics y acusó que manipulaban las mentes de los niños, provocando una época negra para el noveno arte."

"Superman/Batman #40: El artista Dustin Nguyen tuvo que realizar cambios en la portada de este cómic, luego que a DC no le agradara dónde Batman ponía las manos."

"Life with Archie #16: El primer matrimonio homosexual llegó a Riverdale en 2012. En Singapur fue censurado el cómic por tratar este tema."

"The pulse: house of m special: Marvel casi se ganó una demanda desde la monarquía española en 2005, debido a la portada para este cómic en el que representó al villano mutante Magneto como el rey Juan Carlos de España. La editorial pidió disculpas y se realizó una nueva portada.

Surgen muchas preguntas al ver esta recopilación de imágenes, algunas fueron criticadas en su momento precisamente porque fueron hechas para provocar, la portada feminista de Wonder woman ¿sería criticada hoy?, la portada donde se ve a un Spiderman totalmente sometido ¿porque no generó una crítica igual de vigorosa que la de Batgirl y The Joker?  Que tal las otras portadas, algunas con contenido erótico, otros con contenido político, temas sexuales ¿podemos cuestionar una portada, sin cuestionar a las otras? O simplemente ¿escogemos lo que queremos censurar y lo demás lo dejamos pasar?

David A. Becerra  

PlasmArte Ideas, mayo 2015

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